À la suite de l'expressionnisme abstrait, qui voulait arriver à une expression de l'artiste grâce à la peinture gestuelle (action painting) et en s'appuyant sur le hasard, et qui donnait des peintures abstraites aux formats gigantesques, et à celle du Pop Art, qui récupérait les images de la publicité et de la société de consommation, l'hyperréalisme suivit la voie de ce dernier et s'opposa parfois au premier.

L'influence de la photographie dans le mouvement hyperréaliste est également majeure. Les peintures hyperréalistes montrent des scènes de la vie courante, des portraits… Mais, il y a plusieurs hypothèses : l'une qui considère que l'hyperréalisme n'est qu'une suite du Pop Art, parce qu'il utilise comme lui des symboles populaires, l'autre qui voit dans l'hyperréalisme une rupture d'avec l'abstraction, en faisant ressurgir la figuration.

L'hyperréalisme consiste en la reproduction à l'identique d'une image en peinture, tellement réaliste que le spectateur vient à se demander si la nature de l'œuvre artistique est une peinture ou une photographie.

Les artistes utilisaient des sources diverses telles que des photos de magazines ou des photographies personnelles comme modèle de leur peinture. Pour la reproduire les peintres soit projetaient à l'aide d'un rétro-projecteur l'image sur leur toile et ensuite peignaient en fonction de ce qu'ils voyaient, soit imprimaient sur grand format une photo et peignaient directement sur la photo, soit utilisaient la technique de « mise au carreau ». La photographie ne devait pas être source d'émotion. Les peintres hyperréalistes recherchent la neutralité, ils n'ont pas pour but de dénoncer quoi que ce soit, ils montrent le monde de manière objective, en font le simple constat.

Source Wikipédia

Le trompe-l'œil est un genre pictural destiné à jouer sur la confusion de la perception du spectateur qui, sachant qu'il est devant un tableau, une surface plane peinte, est malgré tout, trompé sur les moyens d'obtenir cette illusion.

La technique du peintre se mesure à une représentation convaincante et troublante de réalité. Et pour ajouter au rendu pictural, le peintre de trompe-l’œil règle la position du tableau : la hauteur d’accrochage du tableau sur le mur est ajustée en fonction du regard du spectateur. La distance au tableau est elle aussi essentielle, la construction perspective du tableau en dépend.

Le jeu de l’ombre et de la lumière confirmera la justesse des couleurs, rendant pertinente la représentation d’objets. Leur présence est si trompeuse qu’ils semblent appartenir à l’espace réel du spectateur. Vrais objets ? Cette vérité du trompe-l’œil, patiemment et habilement fabriquée, est un art du faux, faux semblant, ruse de la couleur et du dessin exact. L’ombre est reine qui modèle les volumes et les reliefs et répond à sa complice la lumière. La curiosité du spectateur est piquée à ce pari du trompe-l’œil dont on sort conquis, mais pas dupe. Ce clin d’œil avec le « voyeur » du tableau en donne bien la limite.

Le clin d’œil et l’humour qui accompagnent bien souvent le trompe-l’œil en sont l’élégance. La distance a fondé le point de vue, l’approche du tableau révélera le stratagème : il ne s’agit que de peinture mais l’art a joué son rôle.

Source Wikipédia

La représentation des animaux dans la peinture est particulièrement ancienne puisqu'on la retrouve dans les premières peintures de la Préhistoire (art rupestre et art pariétal) comme les grandes fresques murales de la grotte Chauvet, la grotte Cosquer et surtout, durant le Magdalénien, dans les grottes de Lascaux et d'Altamira.

Durant l'Antiquité, dans l'Égypte antique on trouve de nombreuses représentation de figures d'animaux dont beaucoup avaient une signification religieuse (lion, hyène, chacal, chat, chien, chèvre, loups, bouquetin, oryx ainsi que des oiseaux et des poissons).

Si les Phéniciens ont laissé très peu de peintures animalières, en revanche, les Étrusques représentaient assez souvent des animaux, surtout des chevaux, sur les amphores, les cratères ou les murs de salles funéraires (félins de la période orientalisante).

Les Grecs ont également contribué à développer ce genre de peinture même si c'est plutôt dans la sculpture que l'art animalier s'est exprimé. Le goût pour les bêtes peintes apparaît aussi dans les mosaïques et les peintures de Pompéi.

La peinture de la Renaissance marqua un renouveau du style avec une volonté d'imiter la nature

Contrairement à ce qu'on pourrait penser, je ne suis pas passionnée par les natures mortes et je préfère peindre la nature bien vivante: une fleur de mon jardin, des gouttes d'eau, perles éphémères de notre nature, ou tout autre témoignage de ce qui nous entoure... au naturel!

La notion de paysage dans l'art englobe la représentation des paysages par les différents arts : peinture, le dessin, la photographie, etc.

La représentation du paysage joue un rôle important dans les arts graphiques. Elle peut, entre autres, s'opposer parfois à la représentation des êtres, ou bien peut être utilisée pour les symboliser (peinture religieuse). En peinture, le paysage est un genre aux côtés de la peinture d'histoire, du portrait, de la peinture de genre et de la nature morte et de la peinture figurative.

En tant qu'œuvre d'art, le portrait a connu des évolutions, aussi bien dans les techniques et styles que dans son usage, à des fins de représentation officielle ou d'agrément. Au-delà de la volonté de perpétuer le souvenir d’une personne et de vouloir créer une image historique du commanditaire, le portrait a souvent une fonction immédiate de représentativité.

Dans l'histoire des arts visuels, la représentation humaine date des plus anciens temps : on trouve des représentations dès la préhistoire, en statuette, en pierres gravées ou dessinées sur des parois. Le portrait proprement dit se développe parmi les premières civilisations, en Perse et en Égypte.

Si le portrait est un passionnant objet d’étude, c’est qu’il concentre la plupart des fonctions de la peinture. Les premiers autoportraits de l’art occidental sont apparus pendant la Renaissance, lorsque les artistes se peignaient eux-mêmes se détachant de la foule en arrière-plan de scènes narratives. Le genre de l’autoportrait prit une importance croissante après la période classique.

Le ou les sujets peuvent être représenté(s) de face, de trois quarts, de profil ou de dos. Enfin, l'angle de vue peut être horizontal (au même niveau), en plongée (de haut) ou en contre-plongée (d'en bas).

Outre les quelques taches de couleurs, les tableaux de cette rubrique sont réalisés à l'huile blanche sur fonds à l'acrylique noir.

Les différents tons de gris ne sont que des couches de blanc plus ou moins épaisses sur le support noir. C'est la technique du glacis qui est utilisée ici.